LA PUERTA GÓTICA

La Puerta Gótica, como parte de nuestra propuesta formativa, es un proyecto a través del cual los colegiales de Belagua queremos profundizar en el mundo del arte actual. Iniciamos un espacio de reflexión personal que pretende dar algunas claves de modo cercano y sencillo. Exponemos obras de artistas que pretenden acercar el arte a la vida cotidiana.

Esta iniciativa apuesta por tener una presencia habitual en el campus de la Universidad de Navarra,  abierto al público en el horario de lunes a viernes de 13:00 a 14:00 y de 19:00 a 20:00. Cada exposición tendrá en torno a un mes de duración.

Si lo desea, puede contactar con nosotros a través de nuestro correo eléctronico: lapuertagotica@belagua.edu.es

EXPOSICIÓN ACTUAL

PEDRO QUESADA

ESCULTURAS Y PINTURAS

DEL 23 DE OCTUBRE AL 13 DE NOVIEMBRE DE 2017

De lunes a viernes, de 12:00 a 14:00 y de 18:00 a 20:00

ENTRADA LIBRE

Pedro Quesada (Madrid, 1979) es un pintor y escultor con una técnica maravillosa que ha sido durante 10 años ayudante del reconocido artista Antonio López. El silencio, la inocencia, la quietud y la calma, lo sutil… elementos que se encuentran presentes en las obras de Quesada y que muestra a través de la figura de los niños. “La infancia me sirve mucho para expresar lo que siento. Conecto mucho la vulnerabilidad y la fragilidad del ser humano y he utilizado la infancia para reflejar esto”.  Una exposición que es una muestra, una visión general, del trabajo que lleva realizando desde hace 20 años.

Pedro Quesada es licenciado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Ha realizado distintos cursos en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid. De 2002 a 2011 trabajó como ayudante del pintor Antonio López García. Ha sido becado en el Taller de escultura Modelado plano y espacio.

EXPOSICIONES PASADAS

FRANCISCO HERNÁNDEZ

PINTURA

DEL 18 DE SEPTIEMBRE HASTA 18 DE OCTUBRE DE 2017

Reconocido pintor y dibujante español. El artista, que en los años 60 fue señalado por Salvador Dalí como su sucesor, mezcla en su historial tanto clasicismo como modernidad. La exposición que albergó el Colegio Mayor Belagua “se trata de una breve muestra de la última etapa de Paco Hernández. Una etapa de síntesis, de un desarrollo pictórico totalmente en evolución, como la de los grandes pintores del siglo XX”, afirma Rafael Reyna, responsable del legado del artista.
Francisco Hernández nace en Melilla, pero pronto se instala en el municipio de Vélez-Málaga, lugar del que era Hijo Adoptivo. Ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Madrid en la década de los 50. Comenzó a producir obras desde muy pequeño. Sus trabajos están presentes en museos como el de Arte Contemporáneo del Vaticano en Roma, el de Arte Moderno de Milán, el Museo Diocesano de Málaga, la Institución de Buckley en Connecticut (EE.UU.), la fundación Picasso de Málaga o el Palacio de la Zarzuela de Madrid. En 1985 fue nombrado académico de número de la Real Academia de San Telmo de Málaga y ha sido galardonado con un largo etcétera de premios, entre ellos: el premio March de Bellas Artes, el premio colectivo internacional de la XXXV Bienal de Venecia y el premio nacional de dibujo de la revista Correo del Arte.
NOTICIA Y FOTOGRAFÍAS

DIANA GARCÍA ROY

ESCULTURA

DEL 27 DE FEBRERO AL 20 DE MARZO DE 2017

Margarita de Lucas, directora de la galería Edurne, afirma que “las obras que presenta esta joven escultora hay que mirarlas despacio, con atención, porque están realizadas con criterio, con sabiduría y con una enorme dosis de valentía (…). Diana García Roy es una escultora capaz de dar a la materia su personal vibración-emoción”.
Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense. Madrid (1999). Becada en la Real Academia de España en Roma (2011-12). En 2010 realiza una estancia de trabajo y aprendizaje en el Taller del escultor Venancio Blanco. Ha recibido otras becas como la de la Casa de Velázquez (2006), Beca de Humanismo Barta & Partners (2001) y Beca encuentro Internacional de Jóvenes escultores Domaine de la Roseraie, Bruselas (1999).
NOTICIA

VÍCTOR MANZANAL

“LOS DESHABITADOS”

DEL 23 DE ENERO AL 24 DE FEBRERO DE 2017

Esta exposición gira entorno a las ideas de presencia – ausencia en relación a la experiencia humana, a través de la escultura como elemento superador del tiempo,  desde un punto de vista fundamentalmente poético. 

La anatomía aparece deshabitada, abandonada o tomada por la naturaleza, en un acercamiento al drama del ser humano frente a su desaparición.

El interés por la muerte no se centra en la destrucción sino en el proceso de trascendencia en una búsqueda de consuelo y sentido.

Víctor Manzanal nació en pamplona en 1989, donde actualmente reside y trabaja. Es licenciado en bellas artes por La Universidad del País Vasco.

Ha expuesto su obra de manera colectiva e individual en distintas ocasiones en lugares como Pamplona, Bilbao o Santander.

Recientemente ha sido becado con la Ayuda para proyectos de artes plásticas del Gobierno de Navarra.

NOTICIA Y FOTOGRAFÍAS

DANIEL SILVO

FOTOGRAFÍAS 

DEL 21 DE NOVIEMBRE AL 16 DE DICIEMBRE DE 2016

“Me interesa observar las implicaciones políticas de los objetos cotidianos. En esta línea, he analizado a lo largo de mi carrera cómo se comportan estos objetos, y qué realidades políticas y sociales ocultan la comida, el dinero, los coches o la arquitectura.

Es en la arquitectura y el diseño en las áreas en las que me estoy centrando en estos dos últimos años. Estas obras giran en torno al análisis de ciertos hitos de las arquitecturas y los diseños industriales de la modernidad, poniendo a prueba la solidez de los idearios que la sustentan. Estas piezas las realizo en vídeo, dibujo, instalación y escultura, y busco que los diferentes medios se relacionen entre sí.

Las referencias a la Guerra Fría son continuas en mi obra. En este período del siglo XX las relaciones entre política y vida real se podían ver de una manera más clara. Actualmente, estos vínculos están ocultos, son más complejos y nos impiden ver cuál es el verdadero motivo de las decisiones políticas que nos afectan. Al tratar sobre ciertos eventos de la historia reciente relacionados con la Guerra Fría, pongo en evidencia la relación directa entre los objetos que utilizamos y sus implicaciones políticas. En esa época la humanidad estaba muy cerca de la idea de aniquilación. Esa sensación común de inseguridad es algo similar a lo que vivimos ahora de una manera individual. De la misma forma que en aquella época cada sociedad temía por su supervivencia, actualmente cada ciudadano teme por su futuro de manera individual.

Estoy planteando, por tanto, una idea relacionada con el fin de un ciclo y el comienzo de otro. En esta hipótesis que propongo, la naturaleza se apodera, a través de su fuerza, de los constructos del hombre.

En esta exposición se pueden ver dibujos, fotografías, fotograbados y vídeos que nos sitúan en momentos clave de la historia de la política contemporánea. Trato de vincular estos ámbitos políticos con los hitos creativos de las vanguardias artísticas y el diseño industrial, donde el diseño y la construcción de objetos y viviendas para un futuro mejor se formalizaban, a través de manifiestos e idearios utópicos, en líneas y formas puras, sencillas y brillantes. Esas realidades puestas en práctica en el contexto de la Guerra Fría se ensucian, se destruyen, se deforman y se arruinan dando lugar a experimentos fallidos de sociedades libres, igualitarias y justas”.

Daniel Silvo es artista, comisario de exposiciones y docente. Es doctor europeo por la Universidad Complutense de Madrid (2011) y profesor asociado en la Universidad Antonio de Nebrija. Como artista ha participado en exposiciones individuales en la Fondation Suisse de París (2015), la galería Isabel Hurley de Málaga (2014) o el Centro Cultural de España en México (2013) entre sus más recientes, y en colectivas en la Fundación BBVA (2016), Bakehouse Art Complex Miami (2016), Centro Centro (2016), La Casa Encendida (2014, 2012 y 2005), el CAAC de Sevilla (2016 y 2013), la Bienal Anozero de Coimbra (2015), la Fondation Cartier (Paris 2005) o el MNCARS (2002) entre otros. Sus comisariados en Tabacalera (2015), Lugar a Dudas (Cali 2014) o el CDAV de La Habana (2010) muestran su interés por América Latina. Ha ganado becas como la de videocreación de la Fundación BBVA (2014), Generaciones Caja Madrid (2012 y 2005), INJUVE (2012) o Bilbao Arte (2009). Dirige el centro de investigación, trabajo y discusión Atelier Solar (Madrid).

NOTICIA Y FOTOGRAFÍAS

CÉSAR AZKARATE

FOTOGRAFÍA

DEL 17 DE OCTUBRE AL 11 DE NOVIEMBRE DE 2016

La serie imaginary spaces es una serie en continua evolución. Las obras que tienen cabida en ella pertenecen a ese territorio de arquitecturas abandonadas y paisajes sin uso, ubicados generalmente en la herencia del pasado industrial. La enorme potencia de los espacios de estos lugares, alejados del ruido de la producción y de la presencia de las máquinas, ponen en valor la infinita capacidad de sugestión de la arquitectura anónima que se pretende mostrar.

 

La frontera entre lo imaginario y lo real, es el lugar donde habitan los espacios de esta serie. En ocasiones, los espacios reales captados por la cámara en una concreta posición, generan una suerte de espacio casi imaginario. En otras sin embargo, la necesidad de crear un nuevo lugar, esta vez imaginario, partiendo de un espacio real, genera un espacio que bien pudiera existir en la realidad. La convivencia de ambas estrategias da lugar a una colección en proceso permanente de “espacios imaginarios”. La fotografía actúa así como herramienta en la pasión del arquitecto en la creación de espacios. A la vez, intenta ilustrar un homenaje a los autores anónimos de estos lugares sin uso, sin presencia humana, silenciosos y casi prohibidos, escenarios de un silencio eterno que tiene muy próximo su inevitable final. Lugares como centrales térmicas, factorías de automóviles, naves auxiliares, fundiciones o cementeras se encuentran entre las fotografías de esta exposición. Cada una de ellas atesora una historia y una capacidad evocadora, que desearía ir más allá de la simple visión del arquitecto o fotógrafo que la imaginó.

Nacido en Bilbao en 1966, César Azcárate es Arquitecto desde 1990 y desarrolla su labor profesional como socio de la firma Idom. Es también Profesor Asociado de Proyectos en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Navarra desde 1991 y Doctor Arquitecto por la misma Universidad desde el año 2008.

 

Como arquitecto ha recibido numerosos premios por sus obras y proyectos, destacando la de mejor edificio deportivo en el World Architecture Festival (WAF) en 2015 por el nuevo estadio de San Mames. Su obra ha sido además difundida en publicaciones especializadas y expuesta en numerosos lugares del mundo.

 

Su vinculación con la fotografía se remonta unos cuantos años atrás, cuando tuvo la oportunidad de participar en la construcción del Museo Guggenheim de Bilbao, y pudo fotografiar los increíbles espacios cambiantes en el maravilloso edificio de Gerhy durante las obras. Años más tarde, su admiración por la arquitectura industrial y anónima le animó a comenzar una investigación personal sobre las gigantescas y potentes construcciones de los silos de cereal y su relación con el paisaje, que culminó en forma de tesis doctoral en arquitectura en 2008.

 

Pero no es hasta el 2012 cuando decide emprender el camino hacia la fotografía abordándola como una fertilización cruzada entre ésta disciplina y la arquitectura. Su pasión por ambas le lleva a la búsqueda de escenarios únicos, donde el espacio adquiere protagonismo. No es sin embargo la arquitectura acabada o reciente el lugar donde se desenvuelve, sino que donde disfruta es con la potencia de los espacios industriales anónimos y solitarios, o en lugares tan extraños como Prypiat en Ucrania, la ciudad abandonada tras la catástrofe nuclear. En estos lugares, no solo los espacios interiores cobran protagonismo, sino que mediante un salto en la escala del no uso, las complejas relaciones entre los elementos de ciudades singulares, son campo de cultivo para el análisis fotográfico.

 

Sobre fotografía:

www.cesarazcarate.com

www.saatchiart.com/cesarazcarate

www.heist-online.com/store-artists

NOTICIA Y FOTOGRAFÍAS

JUAN DE LA RICA

Óleos

DEL 12 DE SEPTIEMBRE AL 7 DE OCTUBRE DE 2016

Esta muestra es una selección de pinturas de los dos últimos años de trabajo. Los personajes, las escenas y las naturalezas muertas que represento tienen siempre cierto tono irónico. Tiendo hacia una representación sintética de las formas y hacia unos colores saturados, aplicados generalmente en superficies planas. Este planteamiento, cercano a la estética del cómic y del Arte Pop, entre otras cosas, favorece una lectura lúdica y humorística.

Juan de la Rica (Bilbao, 1979) es un pintor que vive y trabaja en Bilbao. En 2007 se licenció en Bellas Artes por la UPV y desde entonces ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas.
NOTICIA Y FOTOGRAFÍASENTREVISTA

JOSEAN OCHOA

“MIRAR AL QUE MIRA”

DEL 11 DE ABRIL AL 6 DE MAYODE 2016

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A través de estas pinturas de Josean Ochoa se pone de manifiesto el poder que tiene la mirada humana. Estamos acostumbrados a ver tematizados en el arte los objetos de nuestros sentidos, sin darnos cuenta de que detrás de ellos se esconden actividades profundamente humanas. Vemos árboles, sillas, los colores y las formas más diversas, pero la mirada en cuanto tal parece quedar siempre oculta. Estos cuadros, en cambio, nos esconden los objetos, haciendo que aparezca la acción misma de mirar, y nos sitúan así en un punto álgido de abstracción. Al fin y al cabo son ese tipo de actos fundamentales los que nos definen de forma más radical: somos pensar, somos mirar, somos vivir. Es por eso que detrás de las espaldas de estos espectadores sentimos con mayor viveza la irradiación propia de todo rostro humano, mientras los retratos nos dejan frente al misterio inescrutable de la vida. Si bien cada pintura encierra un contenido radicalmente singular, no es difícil identificarse con cada una de ellas y pasar de ser mero espectador a sentirnos retratados. Por otra parte, la fuerza generada por los espacios vacíos y la atmósfera de incertidumbre plasmada en los fondos más bien opacos sólo acentúan nuestro interés por conocer a las personas retratadas e invitan a nuestra imaginación a ser partícipes de una comunicación que no por carecer de palabras es menos profunda.
Pintar gente que mira, aún estando de espaldas, no es la deshumanización del arte, sino más bien todo lo contrario. Esta serie de pinturas, además de resaltar la mirada como acción, nos hace sentir el peso específico de cada mirada. Quizás esto nos lleve a reflexionar sobre nuestro propio mirar. Es que, así como no todas las miradas son iguales, ninguna es completamente neutral. Y un hecho que no puede negarse es que estamos rodeados de miradas: donde hay un ser humano hay también alguien que mira. Justamente lo más humano de estas pinturas radica en que nos ayudan a valorar a las personas más por lo que son que por lo que tienen o persiguen con su obrar.
José Antonio Ochoa Nace en México DF en 1990. Desde muy temprana edad surge en él un interés por el arte, en especial por la pintura. En 2009 obtiene la Beca “Arte Mexicano Promoción y Excelencia”, que le permitirá realizar sus estudios en Arte. En 2010 viaja a Chicago (EEUU) para participar en distintos cursos en la American Academy of Art. En 2011 se traslada a Sevilla para comenzar la carrera de Bellas Artes. Es en la capital andaluza donde recibe una sólida formación académica. En 2013 es acreedor a una Beca SICUE y se traslada a Valencia para continuar sus estudios en la Universidad Politécnica de Valencia, graduándose en Bellas Artes dos años después en esta Facultad. Si bien se ha dedicado con mayor atención a la Pintura, en los últimos años ha comenzado a trabajar en el ámbito de la Escultura, trabajando con diferentes materiales, como piedra, metal, resina o madera.
Ha realizado diversas exposiciones en México DF, Querétaro, Chicago, Sevilla, Valencia y Madrid. También ha sido seleccionado en distintos certámenes de pintura, como el Premio de Pintura BMW, el Premio de Pintura de la Fundación Mainel (Mención de honor) o el Premio de Pintura S. Soria entre otros.
Actualmente tiene obra en colecciones de México, Canadá, Israel, EEUU y España.

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JUAN JOSÉ AQUERRETA

“AUTORRETRATO”

DEL 7 DE MARZO AL 7 DE ABRIL DE 2016

Juan José Aquerreta nace en Pamplona en el año 1946. Entre 1962 y 1964 cursa sus estudios de Dibujo y Pintura en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal. En 1966 obtiene la Beca Extraordinaria de la Excma. Diputación Foral de Navarra y consigue ingresar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid). En 1983 el artista colaborará con la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos; a partir de este mismo año, se dedicará a impartir clases de pintura y dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Pamplona.
Como apunta el propio Alfredo Alcaín en un artículo publicado en la revista Arte y Parte en 1996: “…Me imagino a Juanjo dando sus clases, pintando, al mismo tiempo que los alumnos, los bodegones que sirven de modelo… ¡Qué suerte tener profesores-pintores como Isabel Baquedano y Juanjo.” Referencia esta que ensalza la figura del artista navarro y de la que Alfredo denomina como su mentora; una pintora que marcó el estilo de artistas como Morrás, Garrido y Juan José Aquerreta entre otros. La obra de éste último fue considerada desde el principio por la crítica especializada, de esta forma, pudo consolidar una obra acreditada y admirada en diferentes museos y en diversas colecciones privadas como públicas.
Así pues, no es de extrañar que sus obras estén presentes en colecciones como la de Argentaria y Endesa, La Caixa, la Caja Municipal de Pamplona, Gobierno de Navarra y Gobierno Vasco, Ministerio de Asuntos Exteriores, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Museo Contemporáneo de Madrid, Museo Salvador Allende y Palacio del Senado de España en Madrid. Aquerreta y su obra están estrechamente vinculados a la prestigiosa Galería Marlborough, con la que ha podido exponer en Nueva York en los años 1999, 2000 y 2001. Su carrera artística está jalonada de importantes eventos y en un futuro próximo seguirá proyectándose su obra, gracias a una importante exposición antológica de la totalidad de su obra que se realizará en el Museo Reina Sofía de Madrid. Ha recibido, entre otros, el Premio Nacional de Artes Plásticas (2001) y el Premio Príncipe de Viana de la Cultura (2003).
En su obra, Juan José Aquerreta no busca mostrar lo aprendido, el conocimiento adquirido, ni tan poco su magnífica capacidad artística, si no que busca la sabiduría. Se le reconoce por la intensidad que es capaz de plasmar en sus creaciones, tanto en un simple apunte como en el cuadro más elaborado. Dicen de él que se trata de un artista profundo y solitario.

NOTICIA Y FOTOGRAFÍAS

MARIO MOLINS

OBRA ESCULTÓRICA

DEL 18 DE ENERO AL 26 DE FEBRERO DE 2016

“Fénix” es la metáfora del renacer de la vida expandiéndose, mediante un discurso estético y espiritual sobre la fuerza de la Naturaleza. Nos adentramos en la propia esencia de ésta, manifestada mediante un trabaj sensible, sutil, que se abre ante nosotros a través de la materia tallada.
Las obras, instaladas sobre tierra, nos trasladan a un espacio místico, contemplativo, el concepto de territorio desde el que renacen las intervenciones.

Soy el último en tu camino
la última primavera y última nieve
la última lucha para no morir.
Y henos aquí más abajo y más arriba que nunca.
De todo hay en nuestra hoguera
piñas de pino y sarmientos
y flores más fuertes que el agua…
Hay barro y rocío…
La llama bajo nuestro pie la llama nos corona.
A nuestros pies insectos pájaros hombres
van a escaparse
Los que vuelan van a posarse.
El cielo está claro, la tierra en sombra
pero el humo sube al cielo
el cielo ha perdido su fuego.
La llama quedó en la tierra.
La llama es el nimbo del corazón
y todas las ramas de la sangre
Canta nuestro mismo aire.
Disipa la niebla de nuestro invierno
hórrida y nocturna se encendió la pena,
floreció la ceniza en gozo y hermosura
volvemos la espalda al ocaso.
Todo es color de aurora.

Paul Eluard
Del Poema Ave Fénix
(Francia, 1895 – 1952 )

Mario Molins tiene un recorrido artístico importante. Es un escultor de Binéfar, nacido en 1983, licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, con estudios de doctorado y de espíritu inquieto. En su época universitaria fue becario del departamento de escultura, en la especialidad de fundición y participó como ponente en el congreso de fundición artística, organizado por la Universidad Politécnica de Valencia.

Desarrolla su labor pedagógica continúa como docente en Monzón. Ha impartido seminarios de arte y paisaje junto al profesor Carlos Naya, en la Universidad de Navarra. Han sido numerosas las menciones en concursos, habiendo recibido primeros premios, como el del concurso de escultura organizado por la fundición dúctil Benito, el primer premio del concurso de arte joven organizado por el Centro Cultural Cotxeres-Casinet de Barcelona y el primer premio del Concurso de escultura Silvestre d´Edeta de Valencia.

Ha expuesto tanto en España, como en el extranjero. Son veinte las exposiciones individuales que ha realizado, entre las que hay que destacar, la exposición en el CDAN-Fundación Beulas de Huesca, la exposición del Parque José Antonio Labordeta de Zaragoza, o la muestra en Espace Art Gallery, en Bruselas, entre otras. En cuanto a las exposiciones colectivas, son treinta y tres las exposiciones que ha llevado a cabo.

Molins ha investigado y practicado la escultura en piedra, con la que en numerosas ocasiones a conformado esculturas de gran carga estética y simbólica, una de ellas es la realizada en Binéfar una escultura de piedra de Calatorao y bronce en la que poetiza la piedra convirtiéndola en un símbolo del tiempo y de la evolución de la materia. Con el bronce ha investigado sobre técnicas y pátinas naturales, aplicadas a este metal. Cuando trabaja la madera, lo hace con un gran respeto hacia la naturaleza. El artista deja que el material comunique y logra que se establezca un diálogo entre el arte y la naturaleza. Molins escudriña dentro de los troncos, busca el paisaje al que perteneció el árbol, lo deja hablar, para descubrirnos todo un mundo, para mostrarnos la naturaleza.

NOTICIA Y FOTOGRAFÍAS

NEKANE MANRIQUE

OBRA PICTÓRICA

DEL 16 DE NOVIEMBRE AL 18 DE DICIEMBRE DE 2015

Exposición pictórica que hace un recorrido por las diferentes series que han ido marcando la evolución de mi obra: Desde mi interés por el paisaje aéreo, a la fusión de paisajes en el interior de siluetas femeninas, a la obra más reciente que muestra sólo el cuerpo y la figura.

-Pinturas aéreas fue el proyecto originario que inicié en 2009. Empecé a trabajar a partir de la experiencia personal de volar en ultraligero. Mis pinturas comenzaban a reflejar el interés por descubrir nuevas visiones y perspectivas del paisaje elevando los pies del suelo. Paisajes que se convierten en investigaciones topográficas del terreno (relieves, pendientes, planos de altitud, estratos, etc.).

-Anatomía topográfica aúna el cuerpo de la mujer y la representación de paisajes sobre el mismo. En esta relación del ser humano con la naturaleza, ésta hace de mediadora ocultando su evidente desnudez y pudor. Su objetivo es unir el paisaje sublime con lo hechizante de la belleza femenina. Creando una nueva experiencia visual que refleja las relaciones entre las zonas del paisaje y cierta simbología con la anatomía del cuerpo.

Así, el cuerpo femenino muestra lo más salvaje de la persona o lo más cautivador a través de un escenario lleno de fuerza, donde las manchas de color y las formas toman un significado simbólico y personal. Lo íntimo, las capas de la piel y los estratos del paisaje nos llevan a una introspección interior o a un sueño que encierra cierto surrealismo.

-Cuerpos etéreos trata de indagar en la relación del sujeto con el propio yo. Retratos femeninos en espacios neutros, medio de evasión para tratar de buscar un equilibrio mental y físico. Imágenes inmersas en el silencio creándose atmósferas de paz y tranquilidad o por el contrario de intriga y misterio, generándose sensaciones ambiguas que hablan de dramas románticos, psicológicos, etc.

En mis obras se congela el tiempo y la emoción de una actitud. Creo ambientes con restos de soledad y melancolía cuyas figuras solitarias en el espacio están inmersas en pensamientos y en la contemplación. Normalmente irradian fragilidad, evocadora sensibilidad y belleza; ya que me interesa la creación de imágenes visualmente poéticas.

Pinturas que utilizan la imagen fragmentada para composiciones y encuadres que nos remiten a la televisión y al cine. Fragmentos que dotan a la obra de misterio al ocultar parte de los personajes (figuras cortadas a la altura de los ojos, de espaldas al espectador, etc.). Además los títulos de las obras forman parte también de ese juego enigmático, dando otro sentido a cada cuadro con múltiples lecturas.

En definitiva, pretendo investigar sobre el cuerpo, la expresión facial-corporal y los sentimientos a través del lenguaje no- verbal. Una exposición para poder disfrutar de una revisión de estos últimos años de mi trabajo de forma estructurada, innovadora y coherente.

Nekane Manrique Mezquita, artista nacida en 1985 que trabaja y reside en el Valle de Trápaga, Vizcaya. Su trayectoria se inicia a la temprana edad de 9 años acudiendo a clases de dibujo y pintura hasta su ingreso en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco, donde se licencia en el 2008 y cursa dos años más de Doctorado obteniendo el DEA. Posteriormente en 2010 realiza un Máster de Formación de Profesorado de Educación Secundaria Obligatoria en la Universidad de Miguel Hernández de Alicante y trabaja como profesora de Plástica y de Pintura Artística en un Instituto. Ha recibido numerosas becas de creación en Málaga, Madrid, Granada, Valencia, etc. Así como a nivel internacional en Serbia y Eslovenia. También ha sido seleccionada en el curso Maestros de la Figuración impartido por el prestigioso pintor Antonio López en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Pamplona.

NOTICIA Y FOTOGRAFÍAS

ANTXON HERNÁNDEZ

33 FOTOGRAFÍAS

DEL 5 DE OCTUBRE AL 13 DE NOVIEMBRE 2015 

Al contrario de lo habitual, esta exposición es el resultado de un libro, y no al revés. Hace dos años Antxon y yo quisimos emprender una nueva aventura arquitectónica, visual y editorial. Nuestra primera aventura, el libro “Madrid mira sus estatuas” fue hace ya veintidós años, y la segunda, la publicación de “Setenta escalones. La escalera en el tiempo y en el espacio” la terminamos hace dos. Ambas han sido experiencias siempre gratificantes, tanto en lo personal, como en lo profesional.

Hoy al contemplar esta colección de sus miradas a estas grandes y magníficas escaleras, creo encontrar determinados vínculos entre ellas, por mucho que estén alejadas en el tiempo y en el espacio, sus facturas materiales, encuentro en ellas vínculos visuales, vínculos atmosféricos, emocionales, fragmentos de actitudes, y de relaciones.

Si como tantas veces sabemos mirar, y adoptamos una posición activa en el hecho de contemplarlas detectaremos con facilidad una determinación común que creo que es la esencia del trabajo de Antxon: Hacer visible el espacio invisible, que se recoge en cada uno de estos pequeños y grandes espacios arquitectónicos construidos por el elemento que posiblemente imprima más carácter en las obras de arquitectura: La escalera.

Desde la distancia, esas escaleras serían solo imágenes, pero las propiedades de estas fotografías, instantes capturados inteligentemente -a veces de forma furtiva, otras lenta y concienzudamente- son presas capturadas por el objetivo silencioso y certero de Antxon Hernandez; cazador ávido de lo intangible, rastreador en un viaje a lo largo de nuestra cultura arquitectónica más reciente.

Las propiedades de sus fotografías se explican más allá de lo que sucede en ellas. La luz cualifica estos espacios en blanco y negro en la búsqueda paciente de sus equilibrios que sólo el ojo preciso del fotógrafo intuye, y luego construye, para más tarde compartir la experiencia con el observador. Vinculadas no solo al sentido de la vista, porque hay cosas que suceden más allá de la mera imagen y que él nos reta a descubrir.

Quiero pensar que hay una determinación común que sigue todo este proceso, y que Antxon, hombre de pocas palabras, no dice, sino que cuenta en cada uno de sus trabajos interrelacionados entre sí, y que transfiere de unos a otros, y donde el orden no es lo importante, porque la arquitectura de esas imágenes si fuera así, acabaría en sí misma.
Lo importante es la mirada dirigida y construida que llama nuestra intención con las herramientas exclusivas de la fotografía: La luz, y esencialmente la sombra que construye lo físico, porque un lugar sin sombra, es un lugar sin materia.

Eso es lo que tienen las fotografías de Antxon: Materia.

Antonio Ruiz Barbarin 
Prof. Titular ETSAM – Comisario. Febrero 2015

Antxon Hernández nace en San Sebastián en 1958. Estudia en el CEI de Barcelona y en Parsons School of Design de New York, donde trabaja como free lance durante 4 años. En 1958 vuelve a España, donde compagina el trabajo publicitario con el editorial, principalmente entre Madrid y San Sebastián. Fruto de su trabajo ha tenido relación con artistas y arquitectos de la talla de Richard Serra, Oteiza, Miquel Barceló, Moneo y Saenz de Oiza entre muchos otros. También ha colaborado con numerosas agencias de publicidad y revistas especializadas.

NOTICIA

PEDRO ZAMORA

YO NO PINTO NADA

DEL 13 DE ABRIL AL 13 DE MAYO 2015

“Lo bello se halla removiendo escombros”. La voz del poeta Antonio Porchia parece encarnarse en esta obra donde una materia prima pobre y desahuciada se convierte en la protagonista absoluta.

Puede parecer extraño, pero todo comienza con unos cartones en la acera. Una visceral atracción por el color prende la llama e impulsa a la acción directa, recogerlo físicamente allá donde fuere y conservar, como fuego sagrado, ese deslumbramiento en el estudio. Y es manipulándolo, esto es, en el diseño, proporción y disposición de cada pieza como se produce la catarsis que lleva a estas cajas rescatadas literalmente de la basura a vivir otra vida, la del arte.

En una aparente boutade que veremos no es tal sino la decripción literal de su trabajo, Zamora titula la muestra: “Yo no pinto nada”. Alejado de lo virtual que parece invadir nuestro día a día, el autor recupera con esta técnica personalísima sensaciones básicas de la pintura entendida como presencia que deleita.

Esa vuelta al origen se inicia con una opción radical: la utilización del cartón como única materia prima. Cada una de las piezas que conforman las obras ha sido previamente encontrada, elegida y “arrebatada” a la calle como proceso previo a la posterior indagación formal.

El Mediterráneo, patria verdadera, que desde Grecia ha exigido siempre la gracia del perfil vibrante y la armonía del equilibrio formal, vive aquí. Renace en esta misteriosa acumulación de desechos rehechos de los que, paradójicamente, surge una asombrosa claridad.

El conjunto revela un aire atemporal donde se integran elementos en principio ajenos a una ortodoxia de lo concreto. La consistencia del orden y el ritmo compositivo preparan la acogida a elementos fortuitos, aparentemente fuera de control. Así, el dibujo tembloroso, resquebrajado e incierto de algunas líneas se bate en duelo con la geometría pura. Y es, precisamente, esta lucha la que torna amable la contundencia del planteamiento.

En este conjunto de “Cartones”, delicadas estructuras emergen entre los campos de color y se enriquecen con la salpicadura de lo cotidiano. Las imperfecciones del material, las roturas y el rastro de adhesivos despegados dejan huellas de anónima espontaneidad en obras que resultan auténtica “pintura sin pintura”.

Las “Maderas” continúan este proceso…trozos de listones encontrados en la calle, muestras de molduras desechadas y sufridos tablones de obra, se entrelazan en piezas donde se difuminan los límites entre pintura y escultura.

Pedro Zamora nace en Barcelona en 1968 pero vive y trabaja en Málaga. Es licenciado en arquitectura por la Escuela Superior Técnica de Arquitectura de la Universidad de Navarra y realizó su primera exposición individual en 1999. Desde entonces no ha dejado de exponer con asiduidad en ciudades como Barcelona (Galería Tuset), Málaga, Pamplona y Almería así como también en otros paises como Italia (Globart Gallery de Acqui Terme y la Galleria Statuto 13 de Milán). Su obra se halla presente en diversas colecciones privadas de España, Italia, Suiza y Alemania.

NOTICIA

FERNANDO MARDONES

POÉTICA DE LA FORMA

DEL 2 AL 20 DE MARZO 2015

El título de esta muestra que presento en el espacio expositivo de “La Puerta Gótica” en el Colegio Mayor Belagua de Pamplona, alude a mi práctica artística: una pintura experimental que aborda el trabajo plástico como aplicación de un sistema caligráfico de signos alejados de un contenido narrativo o simbólico, para dejar que la mirada se pose en la sensibilidad y explore las potencialidades de la pintura, del grabado y de otras piezas expandidas.

El trabajo se centra en el gesto del trazo y en la textura de la forma y el color. Como una suerte de escritura, que se materializa en distintos soportes, se fijan las capturas conscientes o inconscientes teniendo presente que, a veces, resulta difícil explicar la experiencia artística: no hay un sistema único de lectura o interpretación de la pintura para poder mirar más dentro y más allá de la apariencia de las cosas.

Este texto-presentación tiene, en parte, un carácter autobiográfico y sitúa la acción creativa en el surrealismo, en su vertiente gestual y automática; en la búsqueda de una normativa para fijar las capturas del inconsciente. Parte del supuesto de que todo tiene explicación dentro de la vida de modo que, cuando no puedes encontrar la causa de ciertos comportamientos, surge la tendencia a localizarla en el inconsciente, proyectándola emocionalmente como pintor y grabador.

En la obra pictórica expuesta los procesos de trabajos son variables. En unas aplico la pintura, principalmente óleo en barra, sobre lienzo, por capas superpuestas en diferente escala e intensidad cromática. Sobre el papel, la materia pictórica es mayormente pastel graso que, por frottage desde matrices de madera originales, conforman a la vez la expresividad del gesto con la textura formal de la matriz y el color.

En la obra gráfica sobre papel, la estampa recoge la impronta del gesto grabado con la técnica del aguafuerte sobre un soporte de cobre; y también, cuando el soporte es de madera, a partir de una técnica original: la fotoxilografía tallada o grabada por el proceso abrasivo.

La obra más experimental sobre otros soportes de metal y de madera que contextualizo en el campo expandido de la pintura y de la gráfica, aportan contenidos plásticos a los propios soportes grabados y, también, los que presentan formas impresas por serigrafía y por procesos de transferencia en frío.

Pinturas, grabados y obras expansivas en otros soportes, todas ellas agrupadas en distintas series, ordenan el material de esta exposición con el fin de mostrar mi lenguaje artístico. El objetivo, en el conjunto de estas obras, es el de explorar las posibilidades expresivas del dibujo al margen de su función representativa donde intervienen, la mano y el cerebro, la técnica y la sensibilidad.

Nació en Bilbao en 1951. Es pintor, grabador y profesor titular de grabado y técnicas gráficas en la Facultad de Bellas Artes de la Euskal Herriko Unibertsitatea / UPV desde 1987. Doctor en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco / EHU. Ha realizado 18 exposiciones individuales y ha participado en 72 exposiciones colectivas a lo largo de todo el territorio español.

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CÉSAR BARRIO

EL RUMOR Y EL SONIDO

DEL 15 DE ENERO AL 15 DE FEBRERO 2015

“La piel es lo más profundo”

Esta frase de Paul Valéry sintetiza muy bien la obsesión del arte occidental por esconder la máxima profundidad en la superficie. Enraizada como símbolo en nuestra noción de realidad y sueño, en nuestros actos y proyecciones, parece ser más ese gesto que se remonta así desde una memoria primigenia perdida.

La busqueda de la “existencia” de la imagen nos conduce a encontrar su alma en la palpitación de ese espacio entre la piel y la carne. En esa dislocación entre planos del tacto y la mirada se encuentra el campo de batalla, el misterio. El mezclar temporalidades distintas en la imagen, el descubrir que el espacio existe solo como ilusión de espacio, que nuestra mirada existe solo como memoria de esa mirada son las estrategias de nuestra sensación. Su toma de conciencia se asemeja a ese mismo intervalo que aparece entre ruido y música, entre el rumor y el sonido.

http://cesarbarrioblog.blogspot.com.es

Nace en Oviedo en 1971. Sus años de formación vienen
marcados por una temprana amistad con los pintores
Eduardo Úrculo y Joaquín Vaquero Turcios. Comparece a sus
cursos y talleres como el de la Fundación Botín en el 2000.
Licenciado en arquitectura por la Universidad de Navarra en 1999 ha seguido vinculado al mundo académico dando cursos y conferencias por diversas Escuelas de arquitectura como en Zaragoza, Toledo o Pamplona. Colaborador habitual de estudios de arquitectura, son especialmente relevantes los trabajos realizados para el estudio Vicens-Ramos en Córdoba o su intervención en la catedral de St. Peter en Salzburgo. Seleccionado para distintos simposios internacionales de artistas, ha colaborado en proyectos heterogéneos con músicos, escritores o poetas.

Entre sus últimas exposiciones destaca su participación en la colectiva de la Fundación Amelia Moreno en Quintanar, La Mancha o la exposición conjunta con Vicente Pastor en Madphoto-gallery en Madrid.

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F.J. BERGUIZAS

CALEIDOSCOPIO

DEL 24 DE NOVIEMBRE AL 10 DE DICIEMBRE 2014

Alberto Ponce (Barakaldo, 1976) es licenciado en Bellas Artes y actualmente compagina su carrera artística con la docencia de dibujo y pintura en su propio estudio en Barakaldo.

Ponce ha expuesto en numerosas regiones de nuestro país y ocasionalmente en el extranjero. Fruto de ello ha sido merecedor de premios y galardones como la Mención de honor, Saliés de Bearn (Francia, 2008) y Primer Premio Certamen de Pintura El Nuevo Barakaldo (2003), entre otros muchos.

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NATXO ARTETA

BETIKOTASUNA, NIRE AITARI. ETERNIDAD, A MI PADRE

DEL 4 AL 21 DE NOVIEMBRE 2014

Líneas y espacios. Evolución. 
Las líneas son capaces de entrar en un espacio y viajar a través de éste, hacia dentro y hacia fuera. Las líneas evolucionan y se transforman.

Durante el proceso artístico de desarrollo de un lenguaje mediante el uso de elementos que puedan contribuir a alcanzar un mensaje consistente en el cuadro, las líneas juegan un papel importante, pues actúan como vehículos de comunicación. Las líneas trabajan junto a los distintos espacios, y se ven reforzadas por los colores.

En esta fórmula, las líneas, los espacios y los colores, actúan juntos para crear la base y la gramática en la que se sujeta el mensaje.

http://natxoarteta.blogspot.com.es

Natxo Arteta (1965) es un vasco internacional que alterna su producción entre España y EE.UU. Allí llevó a cabo sus estudios de Arte y Humanidades, concretamente en Pittsburgh, donde trabaja con la Concept Art Gallery. No deja de lado Europa, ampliando sus estudios en la Escuela Torre di Babele en Roma. Trabajó durante una década con Raimond Maragall, marchante de arte, y con la Sala Parés, de Barcelona.

Licenciado en Estudios Artísticos por la Universidade Aberta de Lisboa, en la actualidad se encuentra preparando el Doctorado en Arte Digital y estudios de Grado en Arte y Educación, ambos en la misma universidad. Ahijado de Adolfo Ruiz Abascal, y discípulo de Paco Soto Mesa y Mª José Bagazgoitia.

Es seguidor del espíritu expresionista de la escuela alemana anterior a la Segunda Guerra Mundial y de la escuela constructivista rusa. Su trayectoria discurre en paralelo a estas dos tendencias. Sus trabajos tienen como soporte tanto el lienzo como la tabla, y también el papel, en dibujos y en grabado, utilizando técnicas mixtas. En un intento de analizar estas dos tendencias, su trabajo busca la relación de los espacios con las líneas y los colores, en especial con la investigación del comportamiento de los grises. Plantea la pintura como un lenguaje y utiliza los colores como si fueran una gramática con la que se componen las historias que cuenta en sus obras.

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ELENA POBLETE

 

RETRATOS

DEL 23 DE SEPTIEMBRE AL 17 DE OCTUBRE 2014

Este proyecto se centra en el sujeto y sus emociones, deteniéndose ante la fascinación de la mirada, capaz de captar la atención y transmitir sentimientos.

La confección de la obra, realizada a través de fragmentos de pruebas de impresión de mi tesis doctoral, son restos rotos en una acumulación de datos ahora caótica y desestructurada, una suerte de memoria disgregada y fuera de contexto. Un discurso riguroso que deriva en discurso sin sentido a través de palabras que se mezclan caprichosamente, donde las letras pierden su propósito de lectura, interesando como mancha que conforma grises de diferente intensidad capaces de definir rostros.

Los sujetos aquí representados transmiten vida, acción, participación a través de una mirada que desafía y supera retos, una mirada que es potencialmente activa y llena de complicidad, en una búsqueda de diálogo con el espectador al que pretende atrapar e involucrar. Composiciones claras donde la luz y el blanco como concepto representan inocencia y osadía, esperanzas y miedos, ilusiones y dudas.

Doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid 2013.

Diseñadora Gráfica por el Istituto Europeo di Design de Milán 1991-92.

Profesora de Fotografía y Técnicas de Reproducción Industrial en la Escuela de Artes de Toledo 1994-95.

Profesora de Diseño Asistido por Ordenador en Escuelas de Artes, Toledo, Tomelloso y Ciudad Real 1995-2013.

Profesora de Audiovisuales en la Escuela de Artes de Cuidad Real 1999-2002.

Profesora de Proyectos Básicos de Diseño Gráfico en la Escuela Superior de Diseño de Ciudad Real 2002-10.

Jefa de Departamento de Diseño Gráfico en la Escuela
Superior de Diseño de Ciudad Real 2002-13.

http://elena-poblete-muro.blogspot.com.es/

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ALBERTO PONCE

EL ESPACIO DEL COLOR

DEL 25 DE MARZO AL 15 DE ABRIL 2014

“Tú mirada enmarca la escena, ten el valor de convertirla en una fotografía”
F.J. Berguizas

Al vivir muchos años en una ciudad, esta se te va metiendo en la piel. Es el escenario de tus emociones, alegrías, trabajos, sinsabores, etc. Algunos de sus lugares los conoces tan bien que casi son como una habitación más de tu casa, en la cual te sientes en intimidad. Entonces surge la curiosidad. La fotografía es un medio para curiosos. Tienes que girar el “tubo” de tu mirada como un Caleidoscopio, para que lo conocido resulte nuevo y que esos lugares ya vistos te aparezcan como si nunca los hubieras percibido. Así se convierten en un buen guión para una fotografía.

http://fjberguizas.com

Hace ya unos años comenzó a hacer fotografía y le sorprendió de lleno en el cambio de lo analógico a lo digital, de lo cual manifiesta estar encantado. Su formación es mitad autodidacta y mitad reglada. Profesionalmente está ligado al mundo de la fotografía pues gestiona un Archivo fotográfico y es editor gráfico de varias revistas.

ÚLTIMAS EXPOSICIONES INDIVIDUALES Y COLECTIVAS
2011 Galería Kayua (Junio). Zarautz
2011 Galería Amador de los Ríos. Madrid
2012 air_port_photo, PHOTOESPAÑA 2012
2012 Exposición Pedro Ros
2012 Galería Kalon. Tudela, Enero 2012
2013 Enmarco 2013
2013 “Mujer en los ojos del mundo”. Logroño, Diciembre/2013

PREMIOS
2008 Finalista premio extraordinario de Fotografía de la Fundación Aena
2010 Obra seleccionada Concurso Fotografía Ayuntamiento Majadahonda
2010 Ascesis Concurso fotografía Fundación Progreso y Cultura

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PACO SADA

MIRADAS CRUZADAS

DEL 4 AL 21 DE MARZO 2014

Paco Sada (San Martin de Unx, 1961), reside a caballo entre Paternáin y Barañáin, Navarra.

Se inició en fotografía de manera aficionada, autodidacta y relativamente tarde. Su progresión como fotógrafo ha venido a través del fotógrafo y profesor, Carlos Cánovas, al que conoce en el taller de fotografía de Zizur Mayor desde hace más de 5 años.

Ha trabajado siempre en formato digital. Sus primeros trabajos son de temática paisajista, predominando una visión de admiración sobre el paisaje. Destaca “Naturaleza intervenida” expuesta en la librería Auzolan en 2011 y en la galería Kalon de Tudela en 2013.

Más adelante sus trabajos han ido hacia temas más abstractos, buscando la geometría, la textura, el movimiento. Destaca la serie “Movimiento: colores y sensaciones” realizada en el velódromo Miguel Indurain en Tafalla y expuestas en la sala Opera Prima de la AFCN (agrupación Fotográfica y Cinematográfica de Navarra) en 2010, en el vestíbulo del Edificio Central de la Universidad de Navarra en 2011, en la galería Eleskaparate, Barakaldo en 2011 y en la galería Kalon en 2013.

Participa desde hace años en el Colectivo Higuera de Tafalla.

Desde el año 2013, ha sido dinamizador fotográfico a través de la fundación del “Colectivo Zzzz” en Pamplona y su proyecto inicial “A propósito de…”.

Ha obtenido reconocimiento por su trabajo en concursos y rallys fotográficos a nivel provincial.

Javier Álava

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JAVIER SANTURTÚN

 

RETOS, RESTOS

DEL 4 AL 28 DE FEBRERO 2014

El tiempo pasa,

pesa,

pisa

y posa;

también en la obra de Javier Santurtún.

 

El creador hizo su obra y los hombres la

desarticulamos, componemos, pervertimos,

reorganizamos, destrozamos, recreamos,

amontonamos, distribuimos y hasta la desolamos.

 

Algunos contemplan; quizá lo sublime de la

naturaleza: el cosmos, la tierra, el mar y el cielo; o

también lo ordinario, y lo extraordinario de lo más

tremendamente “ordinario” y casi despreciable.

 

El tiempo vence y trasforma, a veces duramente.

 

Donde se vió dolor, se descubre ternura; de la

destrucción, la suciedad, y el abuso, surgió la belleza

que el hombre anhela: la cualidad redentora de quien

descubre y espera.

 

Dionisio Alonís

Javier Santurtún nació en Barakaldo, en el año 1956. En 1985 se licenció en Bellas Artes en la Universidad del País Vasco. Desde el año 1979 al 1999 trabajó en el Departamento de Artes Plásticas del colegio Gaztelueta.

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